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ADRIANO TUNINETTO E IL PROGETTO DI IMMAGINE&POESIA

31 Gennaio 2011, 07:21am

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Adriano Tuninetto
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Adriano Tuninetto (Pancalieri, 1 maggio 1930Torino, 16 aprile 2004) è stato un pittore italiano, che ha spaziato dall'espressionismo all'informale, contribuendo allo sviluppo della ricerca artistica del Novecento.

Biografia [modifica]

Adriano Tuninetto è nato a Pancalieri nel 1930 ed è morto a Torino nel 2004.

Inizia a dipingere a 13 anni, interessato a cogliere le particolarità delle cose e dei volti ad accentuarle e – a volte - a deformarle. Nel 1955 vince il ‘’ Premio Pirelli’’ per la pittura e nel 1956 espone in una mostra personale al ‘’Centro Culturale Pirelli’’ di Milano. Frequenta la scuola di Filippo Scroppo dal 1956 al 1958, un punto di incontro stimolante per molti artisti dell’area torinese. Si avvicina quindi al movimento CO.BR.A. e ne elabora i motivi espressionistici in modo del tutto personale. Successivamente è attratto dall’ arte informale ed elabora opere astratte, senza rappresentazioni geometriche: i dipinti ad olio evitano inizialmente forti contrasti cromatici ed esplorano le possibilità espressive di leggere variazioni di colore. A partire dagli anni 1960 si interessa all’ action painting: larghe pennellate di colore attraversano i dipinti per incontrarsi e poi cambiare direzione; per questa lunga fase di sperimentazione Tuninetto è stato considerato, da diversi critici, un vero e proprio esponente dell’ arte gestuale in Italia.[1] La sua opera ‘’Oltre il muro’’ appare sulla copertina della pubblicazione ‘’Cefalonia, l’ultima testimonianza’’ (2004). [2] Ha partecipato attivamente al progetto di Immagine & poesia, realizzato da Lidia Chiarelli e dalla scrittrice inglese Aeronwy Thomas con gli studenti della scuola media Giuseppe Perotti di Torino[3] , progetto che successivamente ha dato origine al movimento artistico letterario internazionale.

Importanti sono le sue ricerche nel campo della ceramica: all’inizio degli anni 1970 realizza numerosi piatti presso la Manifattura Besio di Mondovì [4], per proseguire con ‘’piastre’’, ‘’vasi-paesaggio ‘’, ‘’monoliti’’ e le famose ‘’teste’’.

Nello stesso periodo compie sperimentazioni con la lavorazione del vetro: la fusione del vetro a 900° gli permette di ottenere il movimento plastico delle superfici: nascono così i verox con variegate conglomerazioni di materiali diversi. Oltre alle numerose mostre personali e collettive dagli anni 1950 agli inizi del XXI secolo, le sue opere sono conservate nelle collezioni di numerosi musei: Museo del Cinema di Torino; Museo del Vetro di Altare; Museo Civico di Torre Pellice; Museo di Mombercelli; Museo Civico di Alessandria; Museum of Fine Art di Volgograd (Russia).[5]


Mostre Personali e Collettive dal 1957 al 2005 (Selezione) [modifica]

  • Centro Culturale Pirelli – Milano – 1956
  • Galleria l’Immagine – Torino -1963
  • Galleria Piemonte Artistico Culturale – Torino -1966
  • Studio d’Arte Contemporanea - Albisola Mare - 1972
  • Galleria Cronache Chieresi –Chieri -1976
  • Galleria Riva del Garda - 1970
  • Galleria La Cittadella – Torino – 1975
  • Società Promotrice di Belle Arti – Asti -1977
  • Galleria d’ Arte Moderna La Lanterna – Moncalieri – 1981
  • Galleria Pirra – Torino - 1983
  • Galleria Civica – Chieri -1985
  • Piemonte Artistico Culturale – Torino - 1991
  • Palazzo Robellini – Acqui Terme - 1991
  • Galerie Marie Louise Muller – Cormondrèche – Svizzera – 1995
  • Casa Guglielminetti – Asti -1995
  • Sala delle arti – Collegno – 1996
  • Sale Espositive ex Ospedale Militare – Alessandria – 1998
  • Castello di Mango – Mango – 2000
  • Galleria Arteregina – Torino - 2002
  • Galleria Fogliato – Torino - 2004
  • Galleria Accademia – Torino – 2005 (postuma)

Bibliografia [modifica]

  • (1981). Adriano Tuninetto alla Ceramica Besio Anni 70. Catalogo Ceramiche Besio Torino.
  • (1983). A. Tuninetto: terrecotte, ceramiche, gres. Catalogo Galleria Pirra Torino.
  • (2002). Adriano Tuninetto: forme colori luci cose. Catalogo Arteregina Torino.
  • (2004). Adriano Tuninetto: Nell’oggi anche memorie. Catalogo Fogliato Torino.

 

Note [modifica]

  1. ^ * (2002). Adriano Tuninetto: forme colori luci cose. Catalogo Arteregina Torino.
  2. ^ Alessandro Actis; Battista Actis, Cefalonia: l'ultima testimonianza, Torino, Minerva Medica, 2004. (ISBN non disponibile)
  3. ^ Ministero dell'Istruzione dell'Università e della Ricerca, Ministero del Lavoro e delle Politiche Sociali (2004). Words Images Sounds. Poesia Arte Musica e le tecnologie del terzo millennio. Label Europeo 2003. Risa ed.: 82 - 84.
  4. ^ (1981). Adriano Tuninetto alla Ceramica Besio Anni 70. Catalogo Ceramiche Besio Torino.
  5. ^ (1983). A. Tuninetto: terrecotte, ceramiche, gres. Catalogo Galleria Pirra Torino.

Collegamenti esterni [modifica]

 

 

 

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Cards for Yoko Ono's Wish Tree sent to Hirshhorn Sculpture Garden, Washington

16 Gennaio 2011, 17:54pm

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Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
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The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden is an art museum beside the National Mall, in Washington, D.C., the United States. The museum was initially endowed during the 1960s with the permanent art collection of Joseph H. Hirshhorn. It was designed by architect Gordon Bunshaft and is part of the Smithsonian Institution. It was conceived as the United States' museum of contemporary and modern art and currently focuses its collection-building and exhibition-planning mainly on the post–World War II period, with particular emphasis on art made during the last 50 years.[1] Notable artists in the collection include: Pablo Picasso, Henri Matisse, Mary Cassatt, Thomas Eakins, Henry Moore, Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline, Hans Hofmann, Morris Louis, Kenneth Noland, John Chamberlain, David Smith, Francis Bacon, Willem de Kooning, Milton Avery, Ellsworth Kelly, Louise Nevelson, Arshile Gorky, Edward Hopper, Larry Rivers, and Raphael Soyer among others. Outside the museum is a sculpture garden, featuring works by artists including Auguste Rodin, Jeff Koons, and Alexander Calder. [2]

The building itself is as much of an attraction as anything inside, likened by many to a large spacecraft parked on the National Mall. The building is essentially an open cylinder elevated by four massive "legs", with a large fountain occupying the central courtyard. Before Gordon Bunshaft, of Skidmore, Owings and Merrill, designed the building, the Smithsonian staff reportedly told him that, if it did not provide a striking contrast to everything else in the city, then it would be unfit for housing a modern art collection.

[edit] History

In the late 1930s, the United States Congress mandated an art museum for the National Mall. At the time, the only venue for visual art was the National Gallery of Art, which focuses on Dutch, French, and Italian art. During the 1940s World War II shifted the project into the background.

Meanwhile, Joseph H. Hirshhorn, now in his forties and enjoying great success from uranium-mining investments, began recreating his collection from classic French Impressionism to works by living artists, American modernism of the early 20th century, and sculpture. Then, in 1955, Hirshhorn sold his uranium interests for more than $50-million. He expanded his collection to warehouses, an apartment in New York, and an estate in Greenwich, Connecticut, with extensive area for sculpture.

The Burghers of Calais at Hirshhorn Sculpture Garden (closeup).

A 1962 sculpture show at New York's Guggenheim Museum awakened an international art community to the breadth of Hirshhorn's holdings. Word of his collection of modern and contemporary paintings also circulated, and institutions in Italy, Israel, Canada, California, and New York vied for the collection. President Lyndon B. Johnson and Smithsonian Secretary S. Dillon Ripley successfully campaigned for a new museum on the National Mall.

In 1966, an Act of Congress established the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution. Most of the funding was federal, but Hirshhorn later contributed $1-million toward construction. Joseph and his fourth wife, Olga Zatorsky Hirshhorn, visited the White House. The groundbreaking was in 1969.

Abram Lerner (born 1913) is named the founding Director. He oversaw research, conservation, and installation of more than 6,000 items brought from the Hirshhorns' Connecticut estate and other properties to Washington, DC.

The museum and garden complex was designed by Gordon Bunshaft (1909-1990) and provides 60,000 square feet (5,600 m2) of exhibition space inside and nearly four acres outside in its two-level Sculpture Garden and plaza. The New York Times described it as: "a fortress of a building that works as a museum."

Joseph Hirshhorn spoke at the inauguration (1974), saying: "It is an honor to have given my art collection to the people of the United States as a small repayment for what this nation has done for me and others like me who arrived here as immigrants. What I accomplished in the United States I could not have accomplished anywhere else in the world." One million visitors saw the 850-work inaugural show in the first six months.

In 1984, James T. Demetrion, fourteen-year director of the Des Moines Art Center in Iowa, succeeds Abram Lerner as the Hirshhorn's director. Art collector and retail store founder Sydney Lewis of Richmond, Virginia, succeeds Senator Daniel P. Moynihan as board chairman.[3] Mr. Demetrion holds the post for more than 17 years - he is succeeded by Ned Rifkin in February 2002, who returned to the Hirshhorn after directorship positions at the Menil Collection in Texas and the High Museum of Art in Atlanta, Georgia. Rifkin was chief curator of the Hirshhorn from 1986 until 1991. In October 2003, Rifkin is named Under Secretary for Art of the Smithsonian. In 2005, Olga Viso is named director of the Hirshhorn. Viso joined the curatorial department of the Hirshhorn in 1995 as assistant curator, was named associate curator in 1998, and served as curator of contemporary art from 2000 to 2003. In October 2003, Viso was named deputy director of the Hirshhorn. After only two years, Ms. Viso accepted the position of Director of the Walker Art Center in Minneapolis, departing in December 2007. Chief Curator and Deputy Director Kerry Brougher served as Acting Director for more than a year until an international search led to the hiring of Richard Koshalek, who was named the fifth director of the Hirshhorn in February, 2009.

Kiepenkerl by Jeff Koons

Koshalek, 67, was president of Art Center College of Design in Pasadena, Calif., from 1999 until January 2009. Before that, he served as director of The Museum of Contemporary Art in Los Angeles for nearly 20 years. At both institutions, he was noted for his commitment to new artistic initiatives, including commissioned works, scholarly exhibitions and publications and the building of new facilities that garnered architectural acclaim. He worked with architect Frank Gehry on the design and construction of MOCA's Geffen Contemporary (1983), a renovated warehouse popularly known as the Temporary Contemporary. He also worked with the Japanese architect Arata Isozaki on the museum's permanent home in Los Angeles (1986).[4]

Hirshhorn Sculpture Garden: cards for Yoko Ono's Wish Tree
Coordinates: 38°53′18″N 77°01′22″W / 38.888256°N 77.022829°W / 38.888256; -77.022829
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden is located in Washington, D.C.
Location within Washington, D.C.
Established 1974
Location Washington, D.C., on the National Mall
Type Art museum
Website hirshhorn.si.edu/
Hirshhorn Museum Sculpture Garden

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16 Gennaio 2011, 17:49pm

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SARAH JACKSON E IMMAGINE & POESIA (da Wikipedia)

16 Gennaio 2011, 17:26pm

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3-Worlds-Above.jpg

                                                                                         Three Worlds Above

                                                                       (Copyright Tony, Naomi and Timothy Jackson)

Sarah Jackson
Da Wikipedia, l'enciclopedia libera.
(Reindirizzamento da Sarah Jeanette Sherman Jackson)

Sarah Jeanette Sherman Jackson (Detroit, 13 novembre 1924Halifax, 18 maggio 2004) è stata una artista canadese. Ha lungamente sperimentato l'applicazione delle nuove tecnologie in campo artistico e si è distinta come una delle più importanti esponenti della Digital Art del XX secolo.

Sarah Jackson e la sua scultura Mythological Figure II 1972

Biografia e carriera [modifica]

Figlia di emigrati polacchi stabilitisi a Detroit, studia presso la Wayne University di Detroit ottenendo un diploma in studi umanistici. Fin dagli anni dell’Università sviluppa interesse per la musica, la danza e la poesia: l’incontro a New York con il poeta inglese W.H. Auden è determinante, in quanto è lui che la incoraggia ad indirizzare la sua creatività verso l’arte figurativa[1].

Dopo la laurea conseguita nel 1948, discutendo una tesi su colore e struttura nella scultura primitiva e contemporanea, si trasferisce in Messico, dove insegna Scultura e Lingua Inglese al Mexico City College.

Nel 1949 parte alla volta di Parigi, con una lettera di presentazione per Pablo Picasso.

A Parigi Sarah Jackson incontra lo scultore Costantin Brancusi e lo scrittore Henri Pierre Roché (autore del romanzo Jules and Jim) che la aiuta ad organizzare le sua prima grande mostra di sculture in gesso al “Salon des Réalités Nouvelles”.

Sarah Jackson e Emilio Scanavino a Londra, 1951

Dopo il matrimonio con l’architetto Anthony Jackson    , la coppia parte alla volta di Londra, dove nel 1951 Sarah Jackson espone le sue sculture in una mostra personale di grande successo presso la "Apollinaire Gallery". Ed è ancora a Londra che lo scultore Henry Moore le spiega l’importanza della forma in una vera e propria lezione personale.

Nel 1956 le sue opere e quelle del marito sono esposte, unitamente alle opere dell’artista Emilio Scanavino, nella mostra This is Tomorrow alla Whitechapel Art Gallery. Nello stesso anno Sarah e Anthony Jackson     si trasferiscono in Canada: dal 1956 Sarah continua a creare figure astratte sperimentando i mezzi espressivi offerti dalla pittura e dal disegno oltre che dalla scultura.

Alla fine degli anni ’50 comincia a modellare con la cera figure di persone, animali e piante in movimento per poi trasformarle in sculture in bronzo attraverso una fonderia di New York, specializzata nella realizzazione di opere artistiche.

Determinante nel 1961 è l’incontro con il multimilionario collezionista americano Joseph. H. Hirshhorn, il quale acquista numerosi disegni e sculture della Jackson, che fanno oggi parte della collezione del Hirshhorn Museum di Washington.

Agli inizi degli anni ’60 la coppia si stabilisce definitivamente ad Halifax, dove Anthony ricopre l’incarico di professore al Nova Scotia Technical College ( oggi dipartimento della Dalhousie University) e dove Sarah sarà nominata "artist in residence" dal 1978 al 1989.

Sempre alla ricerca di quanto le nuove tecnologie possono offrire al suo desiderio di sperimentazione, a partire dal 1975 comincia a creare opere in bianco e nero e poi a colori attraverso una fotocopiatrice che le permette di spostare e modellare le forme in una fusione armonica e dinamica.

Proprio a metà degli anni ’70 Sarah Jackson viene riconosciuta pioniera della copy art a livello internazionale.

Oltre a diventare la promotrice di numerose mostre di copy art in Canada e negli U.S.A. , organizza diverse mostre di mail art, spinta dalla convinzione che la mail art possa essere un ideale e democratico mezzo di scambio e contatto tra gli artisti e il pubblico.

Sempre negli anni ’70 continuano le sue sperimentazioni con la scultura e crea numerose opere in schiuma di poliuretano.

A partire dagli anni ’90 fino al 2004 (anno della morte), l’artista si dedica esclusivamente all’arte attraverso il computer, creando immagini digitali con un programma di arte grafica: Sarah Jackson diventa così in breve tempo una delle più interessanti e innovative artiste della digital art del nuovo millennio[2].

In Italia è stata invitata ad esporre a Pisa alla prima e seconda edizione del Mini-Graphic & Painting World-Wide Show (1999 e 2000) e ha partecipato alle due mostre di mail art organizzate presso la scuola media Giuseppe Perotti di Torino (1987 e 1990), collaborando attivamente con Lidia Chiarelli e con la scrittrice inglese Aeronwy Thomas al progetto di Immagine & poesia [3] progetto che si è in seguito sviluppato nel grande movimento artistico letterario oggi diffuso a livello internazionale.

Immagini [modifica]

 

Premi [modifica]

  • Award of excellence, Art Museum Association of America, 1985
  • Grant, Nova Scotia Government, 1990

Mostre collettive e personali (selezione) [modifica]

  • Salon des Réalités nouvelles, Musée des Beaux Arts, Parigi, 1949
  • Solo show, Apollinaire Gallery, Londra, 1951
  • London group, New Burlington Galleries, Londra, 1952
  • This is Tomorrow, Whitechapel Art Gallery, Londra, 1956
  • Solo show, Here and Now Gallery, Toronto, 1959
  • Sarah Jackson and Marion Scott, Montreal Museum of Fine Arts, Montreal, Quebec, 1960
  • Sculpture 60, Sculpture Society of Canada, Montreal, Quebec
  • Solo show, Dalhousie University Art Gallery, Halifax, Nova Scotia, 1964
  • Confrontation 67, Quebec Sculptors Association, Place des Arts, Montreal, Quebec, 1967
  • Solo show, Xerographic Art, Galerie Scollard, Toronto, Ontario, 1976
  • Copie-Art, Motivation V, Montreal, Quebec, 1981
  • International Mail/Copier Art Exhibition, Technical University of Nova Scotia, Halifax, 1985
  • The book as Art, National Museum of Women in the Arts, Washington, DC, 1987
  • International Exhibition of Visual Poetry of Sao Paulo, Brazil, 1988
  • Group A-Z, Vasarely Museum, Budapest, Hungary, 1991
  • MIDE Collection, Eden Court Gallery, Inverness, Scotland, 1993
  • Copy art Show, XeroX Parc, Palo Alto, California, 1993
  • First Biennale Art Electro-Images, Berlin, Germany, 1994
  • International Copy Art Expo, Gallery Artbeam, Seul, South Korea, 1995
  • Copy Book Art, Maerz Gallery, Linz, Austria, 1996
  • ComputerKunst ’98, Gladbeck, Saalack, Dresden, Germany, 1998
  • Pisa ’99, Pisa 2000, Mini graphic& Painting: International Biennial, Pisa, 1999, 2000
  • Nobel Peace Project, Upland Studio, Nobel, Ontario, 2000
  • 1/2000, Collège Jacques Cartier, Chauny, France, 2000

Bibliografia [modifica]

  • Gual, Enrique (1 febbraio 1949). El arte abstracto de Jeanette Sherman. La Propiedad, Mexico 4: 9.
  • Melville, Robert (gennaio 1952). The New Sculptors. Harper's Bazaar 46: 33 - 34.
  • Rouve, Pierre (novembre 1956). Sculpture de Sarah Jackson. Prisme des arts 6: 42.
  • Guy, Robert (spring 1975). Eros et humour chez Sarah Jackson. Vie des Arts 20: 30 - 31.
  • Bromley, Peter (fall 1977). Sarah Jackson. Visual Arts News 1: 6 - 7.
  • Macdonald, Ramona (1980). Sarah Jackson. National Film Board of Canada: 10 minutes video.
  • Smyth, Donna (maggio - giugno 1985). Sarah Jackson's Eyeconography. Atlantic Provinces Book Review 12: 16.
  • Thompson, Alexa (winter 1988). Digital Colours: Sarah Jackson's Copier Art. ArtsAtlantic 8: 37 - 40.
  • Who's Who in American Art 1995 - 1996, R. R.Bowker U.S.A. p.588.,
  • Liss, David (winter 1996). What happened to the Pioneers ?. Artfocus 4: 20 - 23.
  • (2001). Sarah Jackson: Spirit Journey / Bodies of work. Art Gallery of Nova Scotia.
  • Barnard, Elissa (30 settembre 2001). Jackson's journey. The Sunday Herald.
  • Ministero dell'Istruzione dell'Università e della Ricerca, Ministero del Lavoro e delle Politiche Sociali (2004). Words Images Sounds. Poesia Arte Musica e le tecnologie del terzo millennio. Label Europeo 2003. Risa ed.: 82 - 84.

Note [modifica]

  1. ^ * (2001). Sarah Jackson: Spirit Journey / Bodies of work. Art Gallery of Nova Scotia.
  2. ^ *Barnard, Elissa (30 settembre 2001). Jackson's journey. The Sunday Herald.
  3. ^ http://www.scuolamajorana.it/label/2003/progetti_03/prog11_miur_03.htm

Collegamenti esterni [modifica]

Indice

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Pterodactyl, 1952

Inner Being, 1972

Family Group, 1973

Hoity Toity, 1998

Sun Dancer, 1964

Woman, 1972

Pregnant Woman, 1973

Woman's Touch, 2000

Mythological Figure I, 1973

Couple, 1980

Conversation, 1974

Copier art at 2001 retrospective exhibition

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IMMAGINE&POESIA su Wikipedia

7 Gennaio 2011, 07:58am

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Immagine & poesia
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Immagine & poesia è il nome di un movimento artistico letterario, con numerosi aderenti in Italia e all'estero.[1] È stato fondato nel 2007 all'Alfa Teatro di Torino sotto la presidenza di Aeronwy Thomas, figlia del poeta inglese Dylan Thomas e si è rapidamente diffuso a livello internazionale.[2]

I soci fondatori sono stati: Aeronwy Thomas - scrittrice inglese, Gianpiero Actis - pittore, Silvana Gatti - pittrice, Sandrina Piras - poetessa e Lidia Chiarelli - ideologa e coordinatrice del movimento. Il poeta americano Lawrence Ferlinghetti[3] e l'artista italiano Ugo Nespolo sono soci onorari di Immagine & poesia.

La scrittrice Beverly Matherne, docente all’Università del Northern Michigan , è una poetessa molto apprezzata del movimento.

L'artista canadese Sarah Jackson e l'artista informale Adriano Tuninetto hanno a lungo collaborato al progetto ( iniziato alla scuola media Giuseppe Perotti di Torino ) che ha portato successivamente all'istituzione del Movimento.

I critici ufficiali del movimento sono Mary Gorgy (Long Island, New York) [4] e Enzo Papa, (Torino).

Aeronwy Thomas a Torino, 2006

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Il Manifesto [modifica]

Il Manifesto contiene le convinzioni e le intenzioni dei fondatori. È attualmente tradotto in 20 lingue e consta di 10 punti. Evidenzia l'importanza dell' integrazione di forme artistiche differenti, frutto della collaborazione di artisti e poeti provenienti da aree culturali e geografiche anche profondamente diverse: il 4º punto in particolare propone agli artisti e ai poeti di sperimentare momenti di creatività incrociata a sostegno della tesi che un testo letterario può essere la fonte di ispirazione per la creazione di un'opera d'arte e viceversa: il risultato è un'opera articolata e completa, nata dalla perfetta fusione delle due forme espressive.[5]


Mostre [modifica]

A partire dal 2007, anno della fondazione, il Movimento propone periodicamente reading poetici e mostre in cui le poesie si integrano con le immagini. Fra gli eventi più significativi si ricordano:

  • The Object, foyer dell'Alfa Teatro, Torino, 2007
  • I Colori delle Parole: Gianpiero Actis responds to Aeronwy Thomas, Dylan Thomas Centre, Swansea, Galles, Gran Bretagna, 2007
  • Streetlamp & Moon, Arte Città Amica, Torino, 2008
  • The Door, Torino Art Gallery, Torino, 2009.
  • Omaggio a Lawrence Ferlinghetti, Arte Città Amica, Torino 2010
  • Colors of shadow and other works, Clifton Arts Center, Clifton, New Jersey, U.S.A., 2011

Note [modifica]

  1. ^ Adesioni internazionali
  2. ^ Imagespoetry in the U.S.A.
  3. ^ Lawrence Ferlinghetti,socio onorario
  4. ^ saggio critico
  5. ^ I 10 punti del Manifesto

 

Bibliografia [modifica]

  • Aeronwy Thomas; Gianpiero Actis, I Colori delle Parole: percorsi tra arte e poesia , Sant'Agata Militello (ME), Arti Grafiche Zuccarello, 2007.
  • Immagine & Poesia, inserto "TO.7", "La Stampa", 9 novembre 2007, 51
  • L'Oggetto, tra poesia e astrattismo, "Il Corriere dell'Arte", 16 novembre 2007, 10
  • The Object, "Il Punto - City Life", novembre 2007, 33
  • Papa, Enzo (7 dicembre 2007). Ci credo perché è assurdo, soluzioni artistiche per un tema impossibile. Il Corriere dell'Arte: 14.
  • L'Oggetto misterioso di Aeronwy Thomas, "Torino Magazine", dicembre 2007, 75
  • Dylan Thomas Festival Exhibitions: The Colour of Saying, Dylan Thomas Centre Programme, Swansea, September - December 2007
  • Arte senza confini, Immagine & Poesia, inserto "TO.7", "La Stampa", 31 ottobre 2008, 93
  • Una notte di Stelle: omaggio a Aeronwy Thomas, inserto "TO.7", "La Stampa", 2 ottobre 2009, 50
  • Immagine & poesia: Una notte di stelle, nel lirico volo l'universo, "Il Circolo dei Lettori, programma ottobre 2009", 8
  • Chiarelli, Lidia (gennaio 2010). In contatto con Lawrence Ferlinghetti. Arte Città Amica News: 1.
  • Omaggio alla poesia di Lawrence Ferlinghetti, inserto "TO.7", "La Stampa", 3 settembre 2010, 23

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IMMAGINE&POESIA: IL MANIFESTO

6 Gennaio 2011, 07:11am

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ALFA TEATRO – TORINO –

9 novembre 2007

IMMAGINE  &  POESIA

Movimento artistico letterario

IL MANIFESTO

1.     La  CULTURA  - attraverso la POESIA e l’ARTE – deve essere il nutrimento spirituale delle nuove generazioni

2.     La POESIA e l’ARTE FIGURATIVA portano a momenti di CREATIVITA’ INCROCIATA

3.     Ogni forma di espressione può ispirarne altre: il nostro scopo è la loro INTEGRAZIONE

4.     Dall’integrazione di POESIA e ARTE FIGURATIVA, reciprocamente sollecitate, può avere origine una NUOVA FORMA D’ARTE, ricca e completa.

5.     Il movimento è aperto a scrittori ed artisti provenienti da aree geografiche e culturali anche profondamente diverse

6.     L’INTERAZIONE di questi scrittori ed artisti porterà ad una migliore conoscenza, comprensione, dunque rispetto dell’ALTRO

7.     Siamo a favore di una COLLABORAZIONE che potrà avvenire sia attraverso i  MEDIA TRADIZIONALI, sia attraverso il WEB

8.     Le NUOVE TECNOLOGIE saranno comunque privilegiate nello scambio di idee e spunti creativi

9.     Vogliamo combattere l’apatia, la banalità e la superficialità per affermare l’attività, l’inventiva, l’originalità, la ricerca

10.                        Il movimento IMMAGINE & POESIA è aperto ad ulteriori sviluppi e collegamenti con altre discipline e altre forme artistico-espressive

AERONWY THOMAS, poet and writer

GIANPIERO ACTIS, pittore – SILVANA GATTI, pittrice

SANDRINA PIRAS, poetessa – LIDIA CHIARELLI, coordinatrice

Collaborazione critica: ENZO PAPA, MARY GORGY (USA)

Fotografi ufficiali: PIETRO CUNAZZA - CESARE DELLAFIORE

Executive producers: LIDIA CHIARELLI - ROSALBA VACIS

Arte Città Amica, via Rubiana 15, 10139 Torino

www.artecittaamica.it, www.salottoletterario.it

immagine.poesia@gmail.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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